CAPE NORTH PEINT PAR JOSEPH SYDNEY HALLAM

JOSEPH SYDNEY HALLAM (1898-1953)
Cape North (532m)
Canada (Nouvelle-Ecosse)

In Cape Breton Harbour, 1950, huile sur toile puis sérigraphie, Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa

Le relief
Cape North (532m) est un promontoire situé à l'extrémité nord-est de l'île du Cap-Breton situé dans le comté de Victoria, Nouvelle-Écosse, Canada. Cape North contient les reliefs de Pollett's Cove Wilkie Sugar Loaf et Aspy Fault ainsi que les zones non constituées en société de South Harbor et Dingwall. Les Miꞌkmaq l'appelaient Uktutuncok, ce qui signifie « la plus haute montagne ». On prétend que le Cap Nord a été la « prema tiersa vista » (première terre vue) par l'explorateur John Cabot. Malgré la polémique toujours en cours, l'événement est commémoré par le parc provincial Cabots Landing . Le phare de Cape North a été construit en 1874 avec une balis anti brouillard ajoutée en 1906. Il a été supprimé en 1989 et remplacé par une balise électronique en 2010.

Le peintre
Joseph Sydney Hallam est né à Manchester, en Angleterre, et a déménagé au Canada avec sa famille à l'âge de 12 ans. J.S. Hallam a étudié l'art à la Hamilton Technical School, à la Toronto Central Technical School et à l'Ontario College of Art, sous l'enseignement de J.W. Beatty.
En 1921, il travaille pour l'imprimerie torontoise Sampson-Matthews Ltd. Cette collaboration perdura pendant des années et plusieurs J.S. Les peintures Hallam ont été reproduites sous forme de sérigraphies par Sampson-Matthews entre 1942 et 1953.
Les peintures qu'il a réalisées représentant des sites et des villages historiques canadiens ont été exposées à l'Exposition nationale canadienne et reproduites dans le magazine Canadian Homes and Gardens.
Dans les années 1930, l’artiste travaille l’aquarelle et est membre de la Société canadienne des aquarellistes. Il était également membre de la Société des artistes de l'Ontario (en tant que président en 1948) et du prestigieux Arts and Letters Club de Toronto.
J.S. Hallam fut également un collègue de Franklin Carmichael, membre du Groupe des Sept, chez Sampson-Matthews.
J.S. Hallam se considérait avant tout comme un illustrateur publicitaire et a laissé sa marque dans ce domaine. Au cours des années 1940, en plus de travailler à Sampson-Matthews, il enseigne le soir à l'Ontario College of Art. Il devient membre associé de l'Académie royale canadienne en 1943 et membre à part entière en 1950.
J.S. Les peintures de Hallam représentent souvent des scènes simples, montrant des ports en Nouvelle-Écosse, des fermes au Québec, des routes secondaires en Ontario, des gens nageant sous de petites chutes, des églises, des lacs et des bois d’automne.
J.S. Hallam est décédé en 1953 à l'âge de 55 ans.
Œuvres de J.S. Hallam sont détenus par le Musée des beaux-arts du Canada, le Musée des beaux-arts de l'Ontario, l'Art Museum of London, en Ontario, la reine Elizabeth II et d'autres prestigieuses collections privées.
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DJEBEL SAGHRO PEINT PAR HENRY OSSAWA TANNER

HENRY OSSAWA TANNER (1859-1937)
Djebel Saghro (2,712m)
Maroc

In The Good Shepherd (Atlas Mountains, Morocco) (c. 1930) Oil on fiberboard, 75.8 x 91.3 cm. Smithsonian American Art Museum, Washington DC (Gift of Mr. & Mrs. Norman Robbins)

 

La montagne
Le djebel Saghro (2,712m) appelée en berbère : Adrar Saghru est une montagne du Sud marocain qui  se situe à l'est de Ouarzazate, à 70 km au sud du Haut Atlas central, dominant les vallées du Drâa à l'ouest et au sud, et celle du Dadès au nord. Il constitue la partie orientale de l'Anti-Atlas. Son histoire géologique est très ancienne avec une alternance de phases volcaniques, de sédimentation puis d'érosion. Les premiers reliefs volcaniques sont constitués de trachytes et de rhyolites. Leur érosion a formé des conglomérats et des grès. Il y a eu ensuite des périodes de sédimentation continentale, puis marine (gisements de trilobites). Le soulèvement de la période hercynienne donne la forme générale du massif. Plusieurs épisodes tectoniques avec issue de roches magmatiques (dolérites), puis volcaniques au Tertiaire  avec libération de phonolithes se prolongent jusqu'à l'orée du Quaternaire. L'érosion complète la morphologie actuelle du massif. Des mines sont exploitées sur le versant nord à Tiouit (or, argent). Les villages, peu nombreux, se réduisent à quelques petites maisons entourées d’un bouquet de palmiers ou d’amandiers. Les nomades de la tribu des Ait Atta y font paître leurs troupeaux de chèvres et de moutons en attendant la transhumance vers le Haut Atlas comme dépeint dans cettet oile d'Henry Taner, Le Berger de Dieu.  

Le peintre
Henry Ossawa Tanner est un peintre afro-américain qui atteignit la renommée internationale pour ses peintures de paysages et d'inspiration religieuse. Henry Ossawa Tanner1 est né à Pittsburgh, en Pennsylvanie.  En 1864, il suivit sa famille à Philadelphie où il commença à se passionner pour les arts. Dès 1876, il se met à dessiner des paysages et des animaux vus au zoo de Philadelphie. De 1879 à 1885, il suit des études à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts et a pour professeur Thomas Eakins6 Thomas Hovenden et William Merritt Chase. Henry Ossawa Tanner ouvre son propre atelier de peinture en 1886 à Philadelphie. En 1888, il s'installe à Atlanta où il ouvre un studio de photographie et parallèlement, enseigne le dessin à l'Université Clark. Une exposition de ses œuvres organisée par l'évêque méthodiste Joseph Crane Hartzell et son épouse lui permet de recueillir suffisamment d'argent pour fuir les États-Unis dont le racisme ambiant le décourage. En 1891, Henry Ossawa Tanner voyage en France, où il s'installera, il s'inscrit à l'Académie Julian où il étudie la peinture avec Jean-Joseph Benjamin Constant et Jean-Paul Laurens puis rejoint l’American Art Students Club de Paris. Il arrive à Étaples en 1900, là où se trouve la colonie artistique d'Étaples, sur les conseils de son ami Paul Dessart. Tout en vivant en Normandie, il garde un studio rue de Fleurus à Paris. En 1912, il voyage au Maroc en compagnie d'Hilda Rix Nicholas et d'Annie L. Simpson. En 1897, Henry Ossawa Tanner sort de l'ombre lorsque le gouvernement français achète sa peinture "The Raising of Lazarus" exposée au Salon de Paris. Grâce à ses peintures d'inspiration religieuse, il atteint une réputation internationale. En 1927, il sera le premier afro-américain à être élu membre de l'Académie américaine des beaux-arts.

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LES CATSKILLS PEINTES PAR HERMANN HERZOG

HERMANN HERZOG (1832-1932)
Catskill mountains (1,274m)
United States of America (New York State)

In Caribou by a Mountain Lake, Huile sur toile, 1865.

 La montagne
Les Catskill Mountains ou simplement les Catskills, sont une région de reliefs de l'État de New York, située au nord de la ville de New York et au sud d'Albany. En dépit de leur nom, les Catskills ne sont pas des montagnes au sens géologique du terme, mais plutôt un plateau érodé, constitué de plateaux et de collines ayant subi une érosion intense.
Elles constituent le prolongement vers l'est, ainsi que les plus hauts sommets, du plateau des Allegheny. Elles sont parfois considérées comme une partie de la chaîne des Appalaches, même si les deux chaînes ne sont pas géologiquement liées. Les Catskills sont situées à l'ouest du fleuve Hudson (Hudson River) et traversent cinq comtés : l'Ulster, le Greene, le Sullivan, le Delaware et le Schoharie.

Le peintre
Hermann Ottomar Herzog est un peintre paysagiste allemand qui a vecu aux EtatsUnis. Il s'inscrit à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf en 1849, où il se forme auprès de Johann Wilhelm Schirmer. Plus tard, il fait plusieurs voyages d'études en Norvège, en Suisse, en Italie et dans les Pyrénées et peint de nombreux paysages de montagne, en particulier de la Norvège, avec une maîtrise du dessin et une couleur attrayante, sans être si poétique. En 1869, il voyage en Amérique du Nord et s'arrête particulièrement dans le Yosemite. Il vit jusqu'à sa mort à Philadelphie.On rattache son œuvre à l'école américaine de peinture dite " Hudson River School". Peintre très prolifique, Herzog a peint presque un millier de tableaux.

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MONT ZEIL / URLATHERRKE PEINT PAR ALBERT NAMATJIRA

ALBERT NAMATJIRA (1902-1959)
Mount Zeil / Urlatherrke  (1,531 m - 5,023 ft)
Australie

In Mount Zeil, watercolor on paper, 1945, Menzies International Fine Art & Sculpture

La montagne
Le mont Zeil/ Urlatherrke (1 531 m) est une montagne du Territoire du Nord de l'Australie située dans la localité du mont Zeil , dans l'ouest des MacDonnell Ranges. C'est le plus haut sommet du Territoire du Nord et le plus haut sommet du continent australien à l'ouest de la Great Dividing Range. Le nom du mont Zeil dans la langue occidentale d'Arrernte est Urlatherrke, en référence aux chenilles Yeperenye. On pense que le mont Zeil a été nommé pendant ou après l'expédition d'Ernest Giles en 1872, probablement en l'honneur du comte Zeil, qui s'était distingué par des explorations géographiques au Spitzberg ; une note de bas de page dans le journal publié de Giles implique que la nomination a été initiée par son bienfaiteur, le baron Ferdinand von Mueller.
Les MacDonnell Ranges, une chaîne de montagnes sont situées dans le Territoire du Nord et couvrent 3 929 444 hectares . La chaîne est une série de montagnes longues de 644 km (400 mi) situées au centre de l'Australie et constituées de crêtes parallèles s'étendant à l'est et à l'ouest d'Alice Springs. La chaîne de montagnes contient de nombreuses brèches et gorges spectaculaires ainsi que des zones d'importance autochtone. Les chaînes ont été nommées en l'honneur de Sir Richard MacDonnell (le gouverneur de l'Australie du Sud à l'époque) par John McDouall Stuart, dont l'expédition de 1860 les a atteint en avril de la même année. L'expédition Horn a étudié les chaînes dans le cadre de l'expédition scientifique en Australie centrale. Parmi les autres explorateurs de la chaîne figuraient David Lindsay et John Ross. Les sources des rivières Todd, Finke et Sandover se forment dans les chaînes MacDonnell. La chaîne est traversée par l'Australian Overland Telegraph Line et la Stuart Highway. Faisant partie de l'écorégion de broussailles xériques des Central Ranges, composée de prairies sèches et broussailleuses, les chaînes abritent un grand nombre d'espèces endémiques, dont la rainette centrale. Cela est principalement dû aux microclimats que l’on trouve autour des piscines rocheuses froides.
Les chaînes MacDonnell étaient souvent représentées dans les peintures d'Albert Namatjira.

Le peintre
Albert Namatjira, né Elea Namatjira, était un artiste aborigène de langue occidentale originaire des MacDonnell Ranges en Australie centrale. Pionnier de l'art australien aborigène contemporain, il fu tl'Australien indigène le plus célèbre de sa génération.
Né et élevé à la mission luthérienne d'Hermannsburg près d'Alice Springs, Namatjira s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge, mais ce n'est qu'en 1934 (32 ans), sous la tutelle de Rex Battarbee, qu'il a commencé à peindre sérieusement. Les aquarelles de l'arrière-pays richement détaillées et influencées par l'art occidental de Namatjira s'écartent considérablement des dessins abstraits et des symboles de l'art aborigène traditionnel et inspirent l'Ecole de peinture d'Hermannsburg. Son nom est très célèbre en Australie et des reproductions de ses œuvres sont accrochées dans de nombreuses maisons à travers le pays. Il est  considéré comme le modèle aborigène de celui qui a réussi dans la société dominante.
Bien qu'il ne soit pas le premier artiste aborigène à travailler dans un style européen, Albert Namatjira est certainement le plus célèbre. Ses arbres troncs blancs lumineux, ses gorges remplies de palmiers et ses chaînes de montagnes rouges virant au violet sous la lumière  crépusculaire sont devenues caractéristiques de l'école d'Hermannsburg. La mission Hermannsburg avait été établie par des missionnaires luthériens en 1877 sur les rives de la rivière Finke, à l'ouest de Mparntwe (Alice Springs).  

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VOLCÀN SAN JOSÉ PHOTOGRAPHIÉ PAR ROBERT GERSTMANN

ROBERT GERSTMANN (1896-1960)
Volcán San José (5,856m)
Chili - Argentine

Photographié en 1932 à bord d'un aéroplane

 Le volcan
Le San José (5 856 mètres) est un volcan des Andes centrales d'Argentine (province de Mendoza, Tunuyán) et du Chili (Région métropolitaine de Santiago).
Il est situé à 40 kilomètres au sud du volcan Tupungato, à quelque 80 kilomètres à l'est-sud-est de Santiago du Chili, et à 80 kilomètres à l'ouest de la ville argentine de San Carlos.
Son altitude est de (sommet sud-oriental) et 5 820 mètres (sommet sud-occidental).
Le volcan comporte plusieurs sommets secondaires. La première ascension du sommet nord du San José date de l'année 1920 (5 740 mètres). C'est en 1931, qu'Otto Pfnninger et Sebastián Krückel surmontèrent le sommet principal (sommet sud-est). Ils furent surpris de découvrir l'importance du cratère et des glaciers qui occupaient l'intérieur de ce dernier.
À 3 130 mètres d'altitude se trouve le refuge refugio Plantat, qui fut édifié en par Enrique Plantat en 1937, utilisant les plans d'un refuge déjà existant dans les Alpes. Au début, il était pourvu d'eau potable et de chauffage ainsi que d'autres commodités, mais il s'est dégradé faute d'entretien.
Lorsqu'on aborde le volcan du côté chilien, près de la localité de San Gabriel, il surprend par son énorme taille et contribue à impressionner les touristes.

Le photographe
Robert Gerstmann fut un photographe très connu en Amérique du Sud. Gerstmann était un ingénieur électricien né à Vienne qui, dans sa jeunesse, développa un intérêt pour la photographie. En 1924, il immigre au Chili et de là se rend en Bolivie, où il réalise quelque 5 000 photographies, dont une sélection apparaît sous forme de photogravures dans son Bolivie, 150 Grabados en Cobre (1928), réédité en 1996 par la Fundación Quipus en La Paz. Gerstmann a parcouru de longues distances, photographiant l'altiplano de La Paz au sud jusqu'à la frontière argentine, à l'ouest jusqu'à la frontière chilienne et à l'est jusqu'aux Yungas, Cochabamba, Santa Cruz et les basses terres le long des Ríos Beni et Mamoré. Seuls Tarija et le Chaco ont échappé à son objectif. Cinq de ses photographies illustrent le magazine National Geographic "The Heart of Aymara Land" de Stewart E. McMillan (février 1927), et plusieurs apparaissent dans Bolivia (Guía Sinóptica) 1929 de Gustavo-Adolfo Otero. Gerstmann s'installe à Santiago en 1929. Il publie d'autres photos. albums, dont Chili : 280 grabados en cobre (1932), Colombie : 200 grabados en cobre (1951) et Chili en 110 cuadros (1960 ?), et s'est essayé au cinéma en Bolivie. On pense qu'il est mort à Santiago ca. 1960. Plusieurs milliers de ses plaques de verre se trouveraient dans une université d'Antofagasta.

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L'ÉRUPTION DE L'ASAMA GRAVÉE PAR J.C. STAD

 

JOSEPH CONSTANTINE STADLER (1755-1928)
Le mont Asama / 浅間山 (2,508m)
Japon (Honshu)

In Asama yama, Le tremblement de terre et l'éruption d'Août1783 gravée par Joseph Constantine Stadler pour le livre Illustrations of Japan (1822) d'Isaac Titsingh,  Oxford, Bodleian Library.

 

Le volcan
Le mont Asama / 浅間山 (2,508m),  est un stratovolcan japonais se trouvant au centre de l’île de Honshū, à environ 140 km de Tokyo. C’est l’un des volcans les plus actifs du Japon. Ses plus violentes éruptions, aux temps historiques, datent de 1108 et 1783 (illustration ci dessus). Sa dernière éruption remonte à août 2019.
En 1108 , une puissante éruption plinienne souffle une partie de l'édifice volcanique. Les rougeoiements émis lors de cette éruption ont été visibles jusqu'à Kyoto, ville située à près de 300 km de distance. À partir du 9 mai 1783 commence une série d'éruptions dont la plus puissante a lieu du 3 au 5 août. Survenant après une année de mauvaise récolte, elle aggrave la famine de l'ère Tenmei. Les éruptions durent 4 mois et engendrent un lahar, une coulée boueuse de débris de roches volcaniques, qui dévaste les villages alentour.
Une série d'éruptions se produit en 2004, avec une activité maximale au mois de septembre ayant produit de nombreuses projections, bombes, scories et cendres (ces dernières retomberont jusqu'à une distance de 250 km).
L'écrivaine franco-belge Amélie Nothomb raconte une singulière marche sur le mont Asama dans sa nouvelle Les Myrtilles.
Le roman de l'écrivain japonais Natsuki Ikezawa intitulé Les Singes bleus met en scène une volcanologue attachée à la station de recherche du mont Asama.

L'artiste
Joseph Constantine Stadler  est un peintre et graveur allemand.sepcialisé dans les eaux fortes et les aquatinte. Il travailla en Angleterre de 1780 à 1812 et fut édité par John Boydell. À sa mort, il vivait à Londres dans le quartier de Knightsbridge.

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LE PIC DU MIDI D'OSSAU PAR R.A. DROUOT

 

 

R.A. DROUOT (1922?-2005?)
Le Pic du Midi d'Ossau (2,884m)
France (Basse-Pyrénées)

La montagne
Le pic du Midi d'Ossau (2 884 m) est une montagne située dans l'ouest des Pyrénées françaises, dans la partie béarnaise du département des Pyrénées-Atlantiques. Il est le sommet emblématique de la vallée d'Ossau — qui lui donne son nom — et dont la racine pré-indo-européenne* oss/*ors ferait référence aux cours d'eau. Le pic du Midi d'Ossau est l'un des vestiges d'un ancien volcan, le volcan d'Ossau, formé il y a 278 millions d'années, à la fin de l'orogenèse varisque. L'effondrement du toit du volcan entraîne la création d'une caldeira qui, avec la formation de la chaîne des Pyrénées il y a 40 millions d'années, se soulève et permet la constitution du sommet actuel. La première ascension de l'Ossau se déroule à la fin du xviiie siècle, probablement par plusieurs bergers béarnais le 19 août 1790 sur instruction du géodésien Louis-Philippe-Reinhard Junker. Cette ascension est évoquée par Guillaume Delfau dans son récit Voyage au pic du Midi de Pau, un sommet qu'il gravit le 3 octobre 1796 avec son guide aspois Mathieu. Des pyrénéistes comme Henri Brulle, Robert Ollivier, Henry Russell, Roger de Monts ou les frères Jean et Pierre Ravier explorent progressivement le pic entre la fin du xixe siècle et la première moitié du xxe siècle. Situé dans la zone cœur du parc national des Pyrénées, l'Ossau est aujourd'hui un terrain de jeu pour les adeptes de la randonnée et de l'escalade. Sa forme caractéristique et son isolement — il est parfaitement aligné dans l'axe de la vallée d'Ossau et entouré de sommets nettement plus bas — rendent le pic particulièrement visible et reconnaissable depuis les plaines d'Aquitaine. Les Béarnais vouent un attachement particulier au pic, qu'ils surnomment familièrement Jean-Pierre. L'Ossau est également la source de diverses légendes, dont l'une en lien avec la figure mythique de Jean de l'Ours. La notoriété du pic fait de ce sommet un emblème géographique utilisé dans les arts graphiques et la communication territoriale.

L'artiste
R.A. Drouot (1922-2005? ) dates données sous réserve de vérification. Il existe peu ou pas de renseignements biographiques sur cet artiste dont on sait qu'il fut affichiste régionaliste avec pour sujet principal les montagnes des Pyrénées et les moyens de transports qui y mènent. Il fut actif principalement dans les années 1950-1960, signait " r.a.drouot "en lettres minuscules et travaillait beaucoup pour l'imprimeur Publi-Pyrenées, disparu aujourd'hui. La mise en vente de ses affiches est régulière dans les salles de vente françaises aussi bien  qu'étrangères. Tout renseignement sur sa vie est le bienvenu.

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BEN HOPE / BEINN HÒB PEINT PAR MAXIME MAUFRA

MAXIME MAUFRA (1861-1918)
Ben Hope / Beinn Hòb  (927 m)
Royaume-Uni (Ecosse)

In "Nuit d'Été, Ben Hope, Ecosse," huile sur toile, 60.5 x 73.5 cm. Collection privée

La montagne
Ben Hope /Beinn Hòb  (927 m) est une montagne du nord de l'Écosse. C'est le sommet le plus au nord, seul dans la Flow Country (une région de landes couvertes de tourbe) au sud-est du Loch Hope à Sutherland. La montagne forme un cône à peu près triangulaire, avec un grand rocher à l'ouest et deux épaulements inférieurs au sud et au nord-est. Les fleurs alpines sont abondantes en saison, même si le sol est très rocheux. La route principale vers le sommet commence à Strathmore, à l'ouest de la montagne, où se trouve un parking sur une petite route. L'itinéraire longe le brûlis d'Allt-na-caillich qui descend à travers une brèche dans les rochers orientés à l'ouest. Le parcours est raide, mais bien balisé avec des cairns occasionnels et non exposé. L'approche par l'est est moins souvent utilisée car il y a une vaste étendue de landes couvertes de bruyères sans route. L'approche par le nord n'est pas possible pour les marcheurs, car il n'y a pas de chemin entre les rochers. La vue depuis le sommet englobe le Pentland Firth, le Loch Eriboll et les montagnes voisines d'Arkle et Foinaven. Les îles Orcades sont visibles par temps clair.

Le peintre
Maxime Maufra est un peintre, graveur et lithographe français postimpressionniste. Il s’initie à la peinture avec Charles Leduc et son frère Alfred Leduc à Nantes, en reproduisant des paysages des bords de Loire, mais son père qui a décidé d'en faire un homme d'affaires, lui fait faire un séjour linguistique en Angleterre à Liverpool. Là, il découvre ce qu'est réellement la peinture, notamment celle de Turner. Il visite le Pays de Galles et l’Écosse, dont les paysages lui seront une source d'inspiration. Il revient en France en 1884, il mène de front son activité professionnelle et ses travaux picturaux. Il est alors initié à l’impressionnisme par Charles Le Roux.
En 1886, il est remarqué par Octave Mirbeau, lors d'une exposition au Salon de Paris. Cette même année il participe à l'Exposition des beaux-arts de Nantes qui se tient tous les trois ans et à laquelle sont conviés les peintres déjà consacrés et ayant participé au Salon parisien, dont Eugène Boudin, Léon Bonnat, Pierre Puvis de Chavannes, Jules-Élie Delaunay, Émile Dezaunay, avec lequel il va lier une grande amitié, Jean-Léon Gérôme, Henry Moret, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat ou Alfred Sisley. Dans les années 1880, il parcourt ensuite la Normandie et la Bretagne pour peindre des marines et des paysages et s'installe à Paris en 1892, revenant chaque année en Bretagne. C'est lors d'un séjour à Pont-Aven en 1890 qu'il rencontre Paul Gauguin et Paul Sérusier (1864-1927).  Il est alors fortement influencé par le synthétisme, style inventé par Émile Bernard (1868-1941) et développé par Gauguin, qui traduit les formes en aplats colorés disposés selon un motif décoratif.  Il décide alors de se consacrer pleinement à la peinture et s'installe à Pont-Aven. Il fréquente, en 1891 et 1892, l'auberge de Marie Henry au Pouldu en compagnie de Charles Filiger. Il retrouve Gauguin quelques années plus tard à Paris en 1893. C’est l’occasion d’encouragements et de soutien réciproques entre ces deux artistes qui se respectent. Il témoigne néanmoins d'une pointe de scepticisme signalant son indépendance de caractère : « Je restais trois mois dans ce pays breton de Pont-Aven où je n’entendais parler que vert Véronèse pur, chrome, etc., théories de couleurs plus ou moins absurdes. Je préfère la coloration vive, mais on peut peindre avec du noir… Le tout est d’être peintre, et quoique ce mot déplaise à certains, il faut d’abord s’exprimer en cette langue. »
En 1892, Maufra fréquente avec son ami Émile Dezaunay, l'atelier d'Eugène Delâtre où ils réalisent leurs premières gravures, influencés par Paul Gauguin. Il est le premier à s'installer au Bateau-Lavoir à Montmartre en 1893, et son atelier est fréquenté par ses amis Dezaunay, Aristide Briand, ainsi que le poète Victor-Émile Michelet. En 1892 il expose une monographie de son œuvre à la deuxième exposition des peintres impressionnistes et symbolistes au Le Barc de Boutteville (Paris),
Il expose ensuite à la galerie Durand-Ruel qui sera son marchand jusqu'à la mort de l'artiste, et organisera de nombreuses expositions de ses œuvres.
Au printemps 1894, ils se fréquentent à nouveau avec Gauguin en Bretagne au Pouldu, puis Maufra part à la découverte du Trégor finistérien. Il finit par approfondir sa propre voie en abordant les paysages avec une prédilection pour les marines de Bretagne. Il a également visité la région du Dauphiné et les environs du Havre.
Après un voyage en Écosse à l'été 1895, il épouse à Londres Céline Le Floc'h, dont il avait fait la connaissance à Pont-Aven.
Écrivant à un ami en 1897, il déclara : « Je cherche les grands horizons, les cieux !... Je voudrais que les paysages soient classiques, simples et immenses »
En 1903, il est cofondateur avec  du Salon d'automne au Petit Palais et il expose en 1904.
Il est nommé Chevalier de la Légion d’Honneur en 1906 et peintre de la Marine en 1916.
Militant régionaliste, Maxime Maufra est l'un des animateurs de la section « beaux-arts » de l’Union régionaliste bretonne.
Il meurt d'une crise cardiaque le 23 mai 1918 au Pont à Poncé, où il avait planté son chevalet.

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EVEREST/ CHOMOLUNGMA / SAGARMATHA PEINT PAR NICHOLAS ROERICH

 

NICHOLAS ROERICH (1874-1947)

Mont Everest / Sagarmatha /Chomolungma (8,848 m - 29,029ft) 

  Frontière Népal - Chine

In "Remember” from " Country series-Hymalaya", 1924, huile sur toile, Roerich Museum, NewYork

 

La montagne
L'Everest //Chomolungma/Sagarmāthā (8,848 m - 29,029ft), à droite dans ce tableau, est une montagne située dans la chaîne de l'Himalaya, à la frontière entre le Népal (province de Koshi) et la Chine (région autonome du Tibet).Il est aperçu par des Européens pour la première fois en 1847 puis, après quelques années d'observations et de calculs, il est identifié comme le plus haut sommet du monde. Son altitude est établie à 8 849 mètres. Cette caractéristique lui vaut d'être baptisé de son nom actuel par les Occidentaux en 1865 en l'honneur de George Everest, arpenteur général des Indes orientales de 1830 à 1843, et, dès les années 1920, de susciter l'intérêt des alpinistes qui se lancent à l'assaut de ses faces. Plusieurs expéditions, en particulier britanniques, se succèdent depuis le versant nord au Tibet. Toutefois, les conditions météorologiques extrêmes font leurs premières victimes, parmi lesquelles George Mallory et Andrew Irvine, en 1924, dont on ne saura probablement jamais avec certitude s'ils ont atteint le sommet. En 1950, le Népal autorise l'accès à la montagne depuis le sud offrant des possibilités d'ascension par l'arête Sud-Est, moins périlleuse. Finalement, trois ans plus tard, Edmund Hillary et Tensing Norgay deviennent les premiers hommes à atteindre le sommet de l'Everest. Dès lors, les exploits en tous genres s'enchaînent, alimentant les fantasmes populaires ; mais, en 1996, une série d'accidents mortels vient rappeler les dangers liés à la montagne, portant de nos jours à plus de 200 le nombre de victimes. Pourtant, le tourisme de masse se généralise, fragilisant ce milieu naturel malgré les créations du parc national de Sagarmatha en 1976 et de la réserve naturelle du Qomolangma en 1988. Ainsi, plus de 14 000 alpinistes ont tenté l'ascension depuis 1922 et plus de 4 000 l'ont réussie, bien aidés, pour la majorité d'entre eux, par les porteurs sherpas et l'utilisation de bouteilles d'oxygène.
La plupart des tentatives d'scension sont effectuées aux mois d'avril et mai avant la mousson d'été. À ce moment de l'année, un changement du courant-jet réduit les vitesses moyennes de vent en haute altitude. D'autres tentatives sont réalisées après la mousson aux mois de septembre et octobre mais la neige tombée pendant la mousson et des conditions météorologiques plus instables rendent l'ascension plus difficile.
Les pionniers laissent désormais la place à la génération du business lucratif. Des dizaines d'opérateurs proposent des expéditions jusqu'au sommet moyennant des sommes pouvant approcher les 50 000 à 70 000 dollars. Ces expéditions commerciales devenues la norme durent environ deux mois, transformant les camps de base en véritables villes éphémères. La démocratisation des technologies permettant une acclimatation à domicile, grâce notamment à des tentes hypoxiques, tend à réduire cette durée.
Point de passage obligé de l'itinéraire classique vers le sommet, le col Sud est devenu une véritable décharge. Peu respectueuses de l'environnement, contrairement  à ce que l'on pourrait penser, les expéditions y abandonnent matériel et déchets qui réapparaissent à la fonte des plaques de neige. Mandatée par le gouvernement népalais et l'UNESCO, une équipe dirigée par l'alpiniste Pierre Royer a entrepris un grand nettoyage au printemps 1993. Au mois de mai, l'expédition, avec une vingtaine de Sherpas, a redescendu huit tonnes de déchets (bouteilles d'oxygène, plastiques, verres, toiles, etc. Le gouvernement népalais essaye de lutter contre cette pollution : chaque expédition est désormais tenue de prouver qu'elle n'a pas abandonné son matériel, sous peine de perdre une caution de 4 000 dollars. En mars 2014, il annonce qu'à partir du mois suivant, tout alpiniste doit redescendre huit kilogrammes de déchets en plus de son propre matériel, sous peine de poursuites. Le tourisme de masse est  le danger qui guette désormais l'Everest surnommé, Le Toit du Monde.

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2024 - Wandering Vertexes / Gravir les montagnes en peinture
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ORTLES/ORTLER PEINT PAR JOHN MARIN

JOHN MARIN (1870-1953)
Ortles /Ortler (3,905 m)
Italie (Sud Tyrol)

In The Tyrol (1910), aquarelle sur papier , 17 3/4 x 15 1/8 in. Colby College Museum of Art, Waterville ME (Donation John Marin, Jr. & Norma B. Marin)

 
La montagne
Ortles (en italien) ou Ortler (en allemand) est un sommet des Alpes, à 3 905 m, point culminant du massif de l'Ortles, en Italie (Trentin-Haut-Adige). C'était également, jusqu'en 1919, le point le plus élevé de l'Autriche-Hongrie. Pendant la Première Guerre mondiale, l'armée austro-hongroise installe la position la plus élevée de la guerre sur la montagne, équipée de plusieurs pièces d'artillerie. Tous les itinéraires vers le sommet sont des circuits de haute altitude exigeants. Il est recouvert sur la face nord-ouest par un glacier. La face nord de la montagne est considérée comme la plus grande paroi de glace des Alpes orientales, bien que de plus en plus de roches émergent à cause de la fonte des glaciers. La légende de la "chasse fantastique", connue sous le nom de "Wilde Fahr " dont le point de départ était sur l'Ortles, vient de la religion germanique. Dans ce mythe l'Ortles est associé au royaume des morts. Une légende postérieure est plus connue, dans laquelle l'Ortles apparaît comme un géant. Celui-ci est vaincu par le nain Stelvio et moqué dans un poème (« Oh, géant Ortler, comme tu es petit ») puis se fige dans la glace et la neige32. Selon une autre légende, un ours se serait échappé de ses chasseurs par le Hintergrat jusqu'à Trafoi en 1881. Le Bärenloch, un bassin glaciaire sous le Tschierfeck, est également associé à un ours dans l'Ortles : on dit qu'il doit son nom à la découverte d'un squelette d'ours à cet endroit.

Le peintre
John Marin est un peintre aquarelliste, dessinateur et graveur. Il est particulièrement connu pour ses aquarelles expressionnistes de paysages marins du Maine et ses vues de Manhattan. Il est considéré comme un pionnier de l'art moderne américain. Marin, qui était ambidextre, a commencé à dessiner à sept ans et à peindre à seize ans. Il étudie d'abord l'ingénierie mécanique pendant dix-huit mois à partir de 1886 à l' Institut de technologie Stevens et commence sa carrière professionnelle dans le domaine de l'architecture1. De 1890 à 1892, il travaille comme dessinateur pour quatre architectes et de 1892 à 1897, il dirige sa propre entreprise et conçoit six résidences à Union City (New Jersey).
Puis, à vingt huit ans, décidant de faire carrière dans les beaux-arts, il étudie de 1899 à 1901 à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts et à l'Art Students League of New York. Parmi ses professeurs se trouvaient  William Merritt Chase. En 1905, il se rend en Europe, sa famille étant originaire de France, il vit à Paris de 1905 à 1909, fréquentant les académies et rencontrant des artistes. Pendant cette période, il voyage en Hollande, en Belgique, en Italie, en Autriche et en Angleterre. Il travaille principalement comme graveur, eaux-fortes inspirées de Paris4dans la tradition de James Abbott McNeill Whistler, mais exécute également un certain nombre d'aquarelles et de pastels. En 1907, il expose au Salon d'Automne. Il retourne à New York en 1909 pour sa première exposition personnelle à la Galerie 291 d'Alfred Stieglitz, rencontré grace au photographe Edward Steichen. Puis il s'installe définitivement aux États-Unis et participe en 1913, à l'Armory Show, et expose dans toutes les manifestations artistiques importantes organisées par la jeune école américaine, et régulièrement à la Fondation Carnegie à Pittsburgh. John Marin assimile les tendances du moment : impressionnisme, cubisme, fauvisme, expressionnisme, ainsi que des notions propres à l'art du paysage en Extrême-Orient, mais il reste indépendant et développe son propre style dans une forme d'expressionnisme personnelle, avec des explosions semi-abstraites de lignes, de formes et de couleurs animant des scènes avec une énergie unique. En laissant toutes les questions financières entre les mains de Stieglitz, Marin jouit d'une liberté absolue pour poursuivre son travail. Au cours des années suivantes, Marin peint quelques-unes des œuvres les plus importantes de sa carrière, inspirées par la ville de New York. Ses sujets sont les monuments architecturaux de la ville et les forces structurelles de base qui semblaient s'y trouver. Cependant, en 1914, il prit une nouvelle direction, s'éloignant de la ville et se tournant vers la nature, c'est l'année où il découvre le Maine1. Ainsi, il vit à Brooklyn, puis à Cliffside, dans le New Jersey, de 1916 à 1953, passant les étés dans les Berkshires, les Adirondacks, le Delaware, mais surtout sur la côte du Maine, à Small Point ou Deer Island dans la Baie de Penobscot et de 1933 à 1953 au cap Split. À l'exception des étés 1929 et 1930, qu'il passe à Taos, invité par Mabel Dodge Luhan, où il réalise une centaine d'aquarelles du Nouveau-Mexique. En 1936, une rétrospective est organisée par le Museum of Modern Art et en 1950 à la Biennale de Venise.

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LE POPOCATEPETL PEINT PAR MARSDEN HARTLEY

 

MARSDEN HARLEY (1877-1943)
Popocatepetl (5,426 m)
Mexique

In "Popocatepetl, Spirited Morning, Mexico" (1932), Oil on board, 63.5 x 73.7 cm. Smithsonian American Art Museum, Washington DC

Le peintre
Marsden Hartley était un peintre, poète et essayiste moderniste américain.
Hartley a commencé sa formation artistique au Cleveland Institute of Art après que sa famille ait déménagé à Cleveland, Ohio, en 1892. En 1898, à 22 ans, il s'installe à New York pour étudier la peinture à la New York School of Art sous la direction de William Merritt Chase, puis fréquente la National Academy of Design. Hartley était un grand admirateur d'Albert Pinkham Ryder et visitait son studio de Greenwich Village aussi souvent que possible. Son amitié avec Ryder, ainsi que les écrits de Walt Whitman et des transcendantalistes américains Henry David Thoreau et Ralph Waldo Emerson, ont largement inscliné Hartley à considérer l'art comme une quête spirituelle. Hartley voyage pour la première fois en Europe en avril 1912 et fait la connaissance du cercle d'écrivains et d'artistes d'avant-garde de Gertrude Stein à Paris. Stein, avec Hart Crane et Sherwood Anderson,  encouragéèrent Hartley à écrire ainsi qu'à peindre. En 1913, Hartley s'installe à Berlin, où il continue à peindre et se lie d'amitié avec les peintres Vassily Kandinsky et Franz Marc. Il collectionnait également l'art populaire bavarois. Son travail durant cette période était une combinaison d’abstraction et d’expressionnisme allemand, alimenté par sa marque personnelle de mysticisme. À Berlin, Hartley développa une relation étroite avec un lieutenant prussien, Karl von Freyburg. Les références à Freyburg sont un motif récurrent dans l'œuvre de Hartley, notamment dans Portrait d'un officier allemand (1914). La mort de Freyburg pendant la guerre a durement frappé Hartley. Hartley retourna aux États-Unis au début de 1916 mais Il vécut de nouveau en Europe entre 1921 et 1930, avant de retourner définitivement aux États-Unis. Il  peignit alors dans tout le pays, au Massachusetts, au Nouveau-Mexique, en Californie et à New York. Il retourna dans le Maine en 1937, après avoir déclaré vouloir devenir « le peintre du Maine » et dépeindre la vie américaine locale. Il s'alignait ainsi sur le mouvement régionaliste, un groupe d'artistes actifs du début au milieu du 20e siècle qui tentaient de représenter un « art américain » distinct. Il  continua à peindre dans le Maine, principalement des scènes autour de Lovell, jusqu'à sa mort à Ellsworth en 1943. La plupart de ses peintures de montagnes du Maine font aujourd'hui partie des collections du MET.

Le volcan
Le Popocatépetl (5 426 m ) est un volcan actif, situé dans les États de Puebla, au Mexique et de Morelos, au centre du Mexique, et setrouve dans la moitié orientale de la ceinture volcanique trans-mexicaine. Le nom Popocatépetl vient des mots nahuatl popōca (ça fume) et tepetl (montagne), signifiant montagne fumante. C'est le deuxième plus haut sommet du Mexique, après le Citlaltépetl (Pico de Orizaba) à 5 636 m (18 491 pi). Il est relié au volcan Iztaccihuatl au nord par la haute selle connue sous le nom de Paso de Cortés.Popocatépetl se trouve à 70 km (43 mi) au sud-est de Mexico, d'où il peut être vu régulièrement, en fonction des conditions atmosphériques. Jusqu'à récemment, le volcan était l'un des trois hauts sommets du Mexique à contenir des glaciers, les autres étant Iztaccihuatl et Pico de Orizaba. Dans les années 1990, la taille des glaciers tels que Glaciar Norte (Glacier Nord) a considérablement diminué, en partie à cause des températures plus chaudes, mais en grande partie à cause de l'augmentation de l'activité volcanique. Début 2001, les glaciers du Popocatépetl avaient disparu ; la glace restait sur le volcan, mais ne présentait plus les traits caractéristiques des glaciers comme les crevasses. Le magma en éruption du Popocatépetl a toujours été principalement andésitique, mais il a également produit de grands volumes de dacite. Le magma produit au cours du cycle d’activité actuel a tendance à être un mélange des deux.

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2024 - 13e année de publication - Gravir les montagnes en peinture
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PODCAST / LES TABLEAUX QUI PARLENT

LES FALAISES SOUBEYRANES PEINTES PAR GEORGES BRAQUE

 

GEORGES BRAQUE (1882-1963)
Falaises Soubeyranes (394m)
France

In Montagnes à la Ciotat, 1907, Centre Georges Pompidou

Le relief
Les Falaises Soubeyranes (394m) (du provençal sobeiranas, « souveraines ») se situent sur le littoral méditerranéen des Bouches-du-Rhône, entre Cassis et La Ciotat. Elles sont intégrées dans le parc national des Calanques.
Elles sont formées par le tombant à la mer, sur un peu plus de 4 kilomètres, du plateau de Soubeyran ou massif de la Canaille. Au nord, la façade s'avançant vers l'ouest constitue le Cap Canaille (altitude maximum 363 mètres sur la commune de Cassis), l'extrémité sud étant matérialisée par le sémaphore du Bec de l'Aigle, à 313 mètres d'altitude.
Le point le plus élevé des falaises, à 394 mètres, est situé sur la commune de La Ciotat, au sud-ouest du Bau Rous (328 mètres), sommet isolé en retrait de la ligne de crête. Il constitue ainsi la plus haute falaise maritime de France.
Au nord des Falaises Soubeyranes proprement dites, au-delà du Pas de la Colle (littéralement col de la colline), qui s'abaisse à 214 mètres, d'autres falaises rocheuses prolongent ce relief au-dessus du vallon de Cassis : le Baou de la Saoupe (342 mètres) et la Couronne de Charlemagne (329 mètres). Au sud, la ligne de crête s'abaisse en s'éloignant du bord de mer, mais le relief de la côte reste abrupt, notamment autour de la calanque de Figuerolles, et sur la presqu'île du Bec de l'Aigle. Sculptée par l'érosion éolienne, la falaise est constituée de calcaire, de grès et de poudingue, cette grande variété de couches de roches et la présence de fossiles font de l'endroit un haut-lieu de la minéralogie.

L'artiste
Georges Braque,  est un peintre, sculpteur et graveur français.
D'abord engagé dans le sillage des fauves, influencé par Henri Matisse, André Derain et Othon Friesz, il aboutit, à l'été 1907 aux paysages de l'Estaque avec des maisons en forme de cubes que Matisse qualifie de « cubistes », particulièrement typées dans le tableau Maisons à l'Estaque. Cette simplification est censée être la marque du cubisme, dont l'origine reste controversée
C'est en étudiant méthodiquement, dès 1906, les lignes de contour de Paul Cézanne, que Braque a abouti progressivement à des compositions qui utilisent de légères interruptions dans les lignes, comme dans Nature morte aux pichets. Puis avec une série de nus comme le Nu debout, et Le Grand Nu, il s'oriente, après 1908, vers une rupture avec la vision classique, l'éclatement des volumes, une période communément appelée cubiste, qui dure de 1911 jusqu'en 1914. Il utilise alors des formes géométriques principalement pour des natures mortes, introduit les lettres au pochoir dans ses tableaux, invente des papiers collés. En véritable « penseur » du cubisme, il élabore des lois de la perspective et de la couleur. Il invente aussi les sculptures en papier en 1912, toutes disparues, dont il ne subsiste qu'une photographie d'un contre-relief.
Mobilisé pour la Grande Guerre où il est grièvement blessé, le peintre abandonne les formes géométriques pour des natures mortes où les objets sont dans des plans recomposés. Pendant la période suivante qui va jusqu'aux années 1930, il produit des paysages, des figures humaines et, malgré la diversité des sujets, son œuvre est « d'une remarquable cohérence. Braque à la fois précurseur et dépositaire de la tradition classique est le peintre français par excellence ». Le Cahier de Georges Braque, 1917-1947, publié en 1948, résume sa position.
La Seconde Guerre mondiale lui a inspiré ses œuvres les plus graves : Le Chaudron et La Table de cuisine. La paix revenue et la fin de sa maladie lui ont inspiré les œuvres plus approfondies, tels les Ateliers, qu'il élabore souvent pendant plusieurs années, poursuivant six ébauches à la fois ainsi qu'en témoigne Jean Paulhan. Ses tableaux les plus connus sont aussi les plus poétiques : la série des Oiseaux, dont deux exemplaires ornent le plafond de la salle Henri-II du musée du Louvre, depuis 1953. Il a aussi créé des sculptures, des vitraux, des dessins de bijoux, mais à partir de 1959, atteint d'un cancer, il ralentit son rythme de travail. Son dernier grand tableau est La Sarcleuse.
Deux ans avant sa mort, en 1961, une rétrospective de ses œuvres intitulée L'Atelier de Braque a lieu au musée du Louvre, Braque devient ainsi le premier peintre à être exposé dans ce lieu de son vivant.
Homme discret, peu porté sur les relations publiques, Braque était un intellectuel féru de musique et de poésie, ami notamment d'Erik Satie, de René Char, d'Alberto Giacometti. Il s'est éteint le 31 août 1963 à Paris. Des obsèques nationales ont été organisées en son honneur, au cours desquelles André Malraux a prononcé un discours.

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LE PIC WHEELER PEINT PAR GEORGIA O'KEEFFE

GEORGIA O' KEEFFE (1887-1986)
Le Pic Wheeler (4,011m)
United States of America (Colorado and New Mexico)

In The Mountain, New Mexico, 1931, Oil on canvas ,76.4 × 91.8 cm 

Whitney Museum of American Art, New York

L'artiste
Georgia O'Keeffe, est une peintre américaine considérée comme une des peintres modernistes et des précisionnistes majeures du 20e siècle. Vers 1929, désireuse d'échapper au Lake George, où elle a l'habitude de passer ses étés entourée de la famille et des amis d'Alfred, elle se rend à Taos, au Nouveau-Mexique en compagnie d'une amie, Rebecca Strand. À la recherche de sujets, Georgia explore les environs, dont le ranch de l'écrivain D. H. Lawrence qui lui inspirera une de ses toiles les plus connues, The Lawrence Tree. Durant les vingt années suivantes, elle séjourne fréquemment dans la région.
En 1933, elle est hospitalisée pour une dépression alors qu'elle est incapable d'achever dans le temps imparti un projet de peinture murale au Radio City Music Hall. Elle ne peindra plus rien de l'année. Durant l'été 1934, rétablie, elle retourne au Nouveau-Mexique où elle visite la région de Ghost Ranch près d'Abiquiú. Séduite, elle y séjourne chaque année avant d'acheter, en 1940, une propriété à cet endroit et de s'y installer en permanence. Les paysages quasi désertiques lui inspirent une œuvre fantastique et visionnaire.
Sa réputation s'étend et Georgia O'Keeffe reçoit plusieurs commandes. Son travail fait également l'objet d'expositions. En 1936, elle peint Summer Days, une de ses œuvres les plus réputées. Elle reçoit l'honneur de deux rétrospectives, à l'Institut d'art de Chicago en 1943 et au Museum of Modern Art à New York, première rétrospective accordée par ce musée à une artiste femme. O'Keeffe devient récipiendaire de nombreuses distinctions honorifiques.
En 1946, Stieglitz est atteint d'un infarctus. Bien que Georgia et lui ne maintenaient plus qu'une relation distante, elle se trouve à ses côtés lorsqu'il meurt le 13 juillet. Elle s'occupera de disperser ses cendres et durant les trois années suivantes, elle s'occupe d'inventorier ses biens : plus de 3 000 photographies, une collection de 850 œuvres, 580 épreuves d'autres photographes, un énorme inventaire de livres et d'écrits, ainsi que près de 50 000 lettres. Georgia O'Keeffe fait plusieurs dons à différentes institutions muséales.
Elle s'installe de manière permanente au Nouveau-Mexique en 1949. Elle rénove son domaine et continue de peindre, inspirée notamment par les nuages qu'elle peut contempler en avion. En 1962, O'Keeffe devient la 55e membre de l'Académie américaine des arts et des lettres. Elle est également élue fellow de l'Académie américaine des arts et des sciences en 1966. À l'automne 1970, le Whitney Museum of American Art lui consacre une rétrospective qui contribue à la remettre à l'avant-scène, son art ayant été quelque peu éclipsé par les courants apparus durant les années 1960. Les paysages du Nouveau-Mexique lui offrent de nouveaux sujets. Ses toiles représentant des crânes d'animaux, peints minutieusement, cherchent à symboliser la beauté du désert. Ses nombreux voyages en avion durant les années 1950 et 1960 lui inspirent sa série sur les nuages avec des toiles souvent de grandes dimensions. L'art de Georgia O'Keeffe, un temps considéré moderniste et d'avant-garde, est basé sur une observation minutieuse de la nature et sur sa volonté de peindre ce qu'elle ressent. Elle demeurera à l'écart des courants, suivant sa propre voie. Ses gros plans de fleurs, qui caractérisent une bonne partie de sa production, révèlent son sens aigu de l'observation. Le format de ses toiles, les couleurs et les nuances rendent ses tableaux pratiquement abstraits.
À sa mort, Georgia O'Keeffe laisse environ 900 tableaux.

La montagne
Le pic Wheeler (4 011 m) est le point culminant de l'État américain du Nouveau-Mexique. Il se situe au nord-est de Taos et au sud de Red River, au Nord de l'État. Le chaînon Sangre de Cristo (4357m), localement appelé chaînon oriental, est un étroit massif de montagnes des Rocheuses d'orientation nord-sud, située sur le bord oriental du rift du Rio Grande dans le Sud du Colorado aux États-Unis. Les montagnes s'étendent sur 95 km, du col Poncha au col Mosca et forment une haute crête séparant la vallée de San Luis à l'ouest du bassin de l'Arkansas à l'est. Selon l'USGS, le chaînon est la partie septentrionale des monts Sangre de Cristo, qui s'étendent à travers le Nord du Nouveau-Mexique. L'usage des termes « chaînon Sangre de Cristo » (Sangre de Cristo Range) et « monts Sangre de Cristo » (Sangre de Cristo Mountains) varie ; le premier inclut parfois la sierra Blanca, et donc le pic Blanca (4 372 m), et s'étend ainsi jusqu'au col La Veta.

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ARCO NATURALE DE CAPRI PEINT PAR WILLIAM STANLEY HASELTINE

 

WILLIAM STANLEY HASELTINE (1835-1900)
Arco Naturale (18m)
Italie (Capri)

In Natural Arch at Capri (1871) Huile sur toile, 86.4 x 139.7 cm,National Gallery of Arts, Washington DC

Le relief
L'Arco naturale (18m) désigne une formation rocheuse en forme d'arche présente dans la partie sud-est de l'île de Capri dans la baie de Naples. Creusée naturellement par l'érosion, elle a une largeur de 12 mètres de large sur une hauteur de 18 mètres par rapport au sol. Surplombant le bord de mer, son ouverture semi-circulaire encadre un panorama de légende.  Depuis Capri, le site est accessible exclusivement au moyen d'itinéraires pédestres : le premier et le plus court emprunte, au niveau de l'église San Michele, la via Matermania et via de l'Arco Naturale. Le second itinéraire fait une boucle par la via Tragara, passe par le belvedere di Tragara, domine les faraglioni, puis serpente par la via Pizzolungo, jalonnée par la villa Malaparte et la Grotta di Matromania, jusqu'à l'Arco.

Le peintre
William Stanley Haseltine, est un peintre paysagiste et dessinateur américain, à la fois associé à l'Hudson River School, à l'école de peinture de Düsseldorf et au luminisme. Il fait partie de ses peintres grands voyageurs du 19e siècle qui écumèrent une grande partie de l'Europe mais aussi des Etats-Unis. En 1858, il retourne à Philadelphie et, à la fin de l'année 1859, il s'installe à New York dans le Tenth Street Studio Building . Il y côtoie notamment les peintres Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt et Worthington Whittredge. Il peint alors des paysages de la Nouvelle-Angleterre, dont les bords de mer de Narragansett, Nahant et de l'île des Monts Déserts. En 1860, il devient membre de l'Académie américaine de design. Il s'installe à Rome ou il réalise des paysages de la ville éternelle et de la campagne romaine,  de Sicile, de l'île de Capri et de Campanie et d'autres régions d'Italie (le lac Majeur,  Porto Venere, Venise ...). Dans les années 1880 et 1890, il voyage en France, en Belgique et aux Pays-Bas, en Bavière et dans le comté de Tyrol où il continue à dessiner et peindre. En 1874, il loue un studio dans le palais Altieri. Dans ses dernières années, il retourne de manière épisodique aux États-Unis, réalisant un dernier voyage vers la côte ouest en 1899.

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LES FALAISES D'ÉTRETAT PEINTES PAR EUGÈNE DELACROIX

EUGENE DELACROIX (1798-1863)
Les Falaises d'Etretat (70 à 90 m)
France (Normandie)


In Vue de la plage et des falaises d'Etretat, aquarelle sur traits à la mine de plomb, 15x19 cm,           Musée Fabre, Montpellier

A propos de cette œuvre
Delacroix découvrit les beautés de la côte normande grâce à ses nombreux passages chez son cousin Bataille à Valmont, près de Fécamp. "Séjour de paix et d'oubli du monde entier", cette retraite offrait à l'artiste un lieu idéal pour se reposer de Paris et élaborer ses grandes commandes officielles. Au cours de cette villégiature, il eut à maintes occasions l’opportunité d'admirer le paysage des falaises d'Etretat ; sans doute séduit par cette âpre et grandiose architecture de craie, il devait en donner plusieurs études et aquarelles. Cette vue prise de la porte d'Amont, à marée basse, ne peut être datée avec certitude mais un passage du Journal de l’artiste du 18 octobre 1849 relate une excursion en mer au large de Fécamp et situe, si ce n'est la chronologie de cette œuvre, du moins l'état d'esprit et les sentiments de l'artiste devant ce paysage : « Le sol sous cette arche étonnante, semblait sillonné par les roues des chars et semblait les ruines d'une ville antique. Ce sol est ce blanc calcaire dont les falaises sont entièrement faites. Il y a des parties sur les rocs qui sont d'un brun de terre d'ombre, des parties très vertes et quelques-unes ocreuses. » Explorant la décomposition chromatique du paysage, Delacroix donne ici une aquarelle où palpite la densité de l’air et de l’eau et, avec cette manière très libre d’un dessin pris sur le vif, il témoigne de sa sensibilité pour ces vues de la nature qui annoncent déjà la peinture impressionniste. Ami de l’artiste, le critique Théophile Sylvestre conseilla en 1874 à Alfred Bruyas l’acquisition de cette oeuvre qui lui inspira ces réflexions : « Dans le ciel solitaire, d’une pureté absolue et d’une légèreté sans fonds, on entendrait non seulement l’aile d’une mouette mais le bourdonnement d’un insecte [...]. L’effusion lumineuse n’a même pas de soubresauts tout le long de cette falaise abrupte, dont la croûte terrestre et le gazon rôti semblent à la fois un chaume de cabane et une peau de bête fauve. »

 

Les falaises
Les Falaises d'Etretat  sont constituées d'une stratigraphie complexe de craies du Turonien et du Coniacien. Certaines falaises atteignent 90 mètres. Etretat est surtout connue pour ses falaises de craie, dont trois arches naturelles et une formation pointue appelée L'Aiguille (l'Aiguille), qui s'élève à 70 m au-dessus de la mer et L'Arche. Une rivière souterraine, puis l'érosion marine ont formé une arche naturelle et une aiguille d'une hauteur estimée de 55 mètres à 70 mètres, relique de la falaise. Ses falaises de craie blanche et ses plages de galets grisâtres en ont fait un des lieux du tourisme international avec plus de trois millions de visiteurs par an1, exposé aux même risques que d'autres grands sites mondiaux, avec trois chutes mortelles en 2022. Le tourisme de masse dégradant le site. Des peintres comme Albert Marquet, Gustave Courbet, Eugène Boudin ou encore Claude Monet ont contribué alors à sa publicité, tout en en immortalisant la spécificité. Des écrivains normands comme Maupassant et Gustave Flaubert furent des fidèles du lieu. Maurice Leblanc, qui y vécut, contribua au mythe entourant le site entretenu dans une aventure d'Arsène Lupin intitulée L'Aiguille creuse(1909). Il les décrit en ces termes : « Un énorme gardon, haut de plus de quatre-vingts mètres, obélisque colossal, d'aplomb sur son socle de granit. » A son époque, le site attirait déjà de nombreux touristes parmi eu xdes "lupinophiles" admirateurs d'Arsène Lupin des  étudiants américains venaient chercher la clé de la grotte, où le "gentleman cambrioleur" avait trouvé le trésor des rois de France.

Le peintre
Ferdinand Victor Eugène Delacroix était un artiste romantique français considéré dès le début de sa carrière comme le chef de file de l'école romantique française. L'utilisation par Delacroix de coups de pinceau expressifs et ses études sur les effets optiques de la couleur ont profondément façonné le travail des impressionnistes, alrors que sa passion pour l'exotisme a inspiré les artistes du mouvement symboliste. Fin lithographe, Delacroix a illustré diverses œuvres (William Shakespeare, Walter Scott et  Goethe notamment).
Contrairement au perfectionnisme néoclassique de son principal rival Ingres, Delacroix s'est inspiré de l'art de Rubens et des peintres de la Renaissance vénitienne, en mettant l'accent sur la couleur et le mouvement plutôt que sur la clarté des contours et la forme soigneusement modelée. Le contenu dramatique et romantique caractérise les thèmes centraux de sa maturité et le conduit non pas vers les modèles classiques de l'art grec et romain, mais plutôt vers les voyages en Afrique du Nord à la recherche de l'exotisme. Ami et héritier spirituel de Théodore Géricault, Delacroix s'inspire également de Lord Byron, avec qui il partage une forte identification aux « forces du sublime », et aux actions de la nature, souvent violente.
Cependant, Delacroix n'était enclin ni à la sentimentalité ni à l'emphase, et son romantisme était celui d'un individualiste. Selon les mots de Baudelaire : « Delacroix était passionnément amoureux de la passion, mais froidement déterminé à exprimer sa passion le plus clairement possible ».
En 1832, Delacroix se rend en Espagne et en Afrique du Nord, dans le cadre d'une mission diplomatique au Maroc peu après la conquête de l'Algérie par la France. Il n'y est pas allé pour étudier l'art, mais pour échapper au parisianisme dans l'espoir d'approcher une culture plus primitive. Il a produit plus de 100 peintures et dessins de scènes tirées ou basées sur la vie des peuples d'Afrique du Nord, et a ajouté un nouveau chapitre très personnel à l'intérêt général porté alors à l'orientalisme. Delacroix était fasciné par les gens et les costumes, et le voyage allait éclairer le sujet d'un grand nombre de ses futurs tableaux. Il pensait que les Nord-Africains, dans leurs vêtements et leurs attitudes, fournissaient un équivalent visuel aux peuples de la Rome et de la Grèce classiques : « Les Grecs et les Romains sont ici à ma porte, chez les Arabes qui s'enveloppent dans une couverture blanche et regardent comme Caton ou Brutus..."
Il réussit à dessiner secrètement quelques femmes à Alger, comme dans le tableau Femmes d'Alger dans leur appartement (1834), mais il rencontra généralement des difficultés à trouver des femmes musulmanes prêtes à poser pour lui en raison des règles musulmanes exigeant que les femmes soient couvertes. La peinture des femmes juives d’Afrique du Nord, comme sujets du Mariage juif au Maroc (1837-1841), pose moins de problèmes.
À Tanger, Delacroix réalise de nombreux croquis des gens et de la ville, sujets sur lesquels il reviendra jusqu'à la fin de sa vie. Les animaux, incarnation de la passion romantique, ont été incorporés dans des peintures telles que Chevaux arabes se battant dans une écurie (1860), La Chasse au lion (dont il existe de nombreuses versions, peintes entre 1856 et 1861) et Arabe sellant son cheval (1855). .

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LE VÉSUVE PEINT PAR JOSEPH STELLA

JOSEPH STELLA (1877-1946)
Le Vésuve (1,281m)
Italie

In Neapolitan Song , 1929, Huile sur toile, 97.5 x 71.7 cm.
Smithsonian American Art Museum, Washington DC

L'artiste
Joseph Stella, né Giuseppe Michele Stella len Italie pres de Naples est un peintre américain d'origine italienne.  Il a participé entre autres aux écoles futuriste et précisionniste. Dès son plus jeune âge, il montra un talent exceptionnel pour le dessin.
Stella déménagea à New York en 1896, à l'âge de dix-neuf ans. Il étudia à l'Art Students League ainsi qu'à la New York School of Art où il étudia avec William Merritt Chase.
Dans les années 1930, le travail de Stella progressa rapidement d'un style à l'autre. Dans le cadre du projet artistique fédéral auquel il participa, il voyagea en Europe, en Afrique du Nord et aux Antilles. Chacun de ces lieux avait non seulement ses propres paysages et ses propres manifestations culturelles qui fournissaient de nouveaux sujets, mais aussi ses propres styles artistiques qui affectaient inévitablement la manière dont Stella peignait. Au cours de cette période, il créa de nombreuses pièces sur le thème de la ville, des pièces religieuses, des croquis botaniques et naturels, des paysages des Caraïbes et des fruits et légumes et fleurs des natures mortes. Ses peintures allaient du réalisme figuratif à l'abstrait et au surréalisme. Cette variation constante entre les styles finit par lui faire perdre sa renommée d'artiste. Il n'était plus aligné sur aucun mouvement et ses œuvres devinrent beaucoup plus particulières et individuelles.En conséquence, il se coupa du monde de l'art à New York et sa fortune s'effondra. Le travail de Stella reflète les personnages et les styles de vie de la ville de New York ainsi que son expérience personnelle à New York. À son arrivée à New York, il se concentra sur la vie des migrants et peignit des scènes les représentant en portraits ou dans leurs activités familières. Plus tard, il se concentra davantage sur le centre-ville de New York et réalisa des portraits d'autres artistes fortunés. Dans chaque cas, il représentait le style de vie auquel il était habitué à New York. Ses voyages en Afrique du Nord et dans les Caraïbes le ramenèrent à ses racines immigrées, ce qui généra en lui une crise d'identité interne ardue dans les années 1930. Cette crise se traduisait clairement par son incapacité à s'en tenir à un style ou à un sujet donnés. Cela prouvait également que pour Stella, l’art avait toujours été une expression personnelle et non une source d’argent. Il savait que son travail le plus précieux aurait été de s'en tenir à des œuvres modernistes dans les années 1930, mais il ne s'intéressait plus désormais au modernisme. Stella a toujours peint ce qu'il voulait et comme il le voulait.

Le volcan
Le Vésuve (1,281 mètres actuellement) fait partie de ces montagnes légendaires qui se rappelle régulièrement à l'attention des terriens. Monte Vesuvius ou Vesuvio en italien moderne ou Mons Vesuvius en latin antique est un stratovolcan située dans le golfe de Naples (Italie) à environ 9 km (5,6 mi) à l'est de Naples et à une courte distance du rivage. C'est l'un des nombreux volcans qui forment l'Arc Campanien. Il s'est formé à la suite de la collision de deux plaques tectoniques, l'africaine et l'eurasienne. Le Vésuve se compose d'un grand cône partiellement encerclé par le bord escarpé d'une caldeira sommitale causée par l'effondrement d'une structure antérieure et à l'origine beaucoup plus élevée.
Le mont Vésuve est surtout connu pour sa grande  éruption en 79 après JC qui a conduit à l'enterrement et à la destruction des villes antiques romaines de Pompéi, d'Herculanum et de plusieurs autres petits villages. Cette éruption a éjecté un nuage de pierres, de cendres et de fumées à une hauteur de 33 km (20,5 mi), crachant de la roche en fusion et de la pierre ponce pulvérisée à raison de 1,5 million de tonnes par seconde, libérant finalement cent mille fois l'énergie thermique libérée par l'attentat d'Hiroshima. Au moins 1 000 personnes sont mortes dans l'éruption. Le seul récit de témoin oculaire survivant de l'événement consiste en deux lettres de Pline le Jeune à l'historien Tacite. Depuis l'an 79, le Vésuve est entré en éruption environ trois douzaines de fois.
En 203, du vivant de l'historien Cassius Dio.
En 472, il a éjecté un tel volume de cendres que des chutes de cendres ont été signalées jusqu'à Constantinople à 1 220 km) de là.
Les éruptions de 512 ont été si graves que les habitants des pentes du Vésuve ont été exonérés d'impôts par Théodoric le Grand, alors le roi d'Italie.
D'autres éruptions ont été enregistrées en 787, 968, 991, 999, 1007 et 1036 avec les premières coulées de lave enregistrées. Le volcan s'est calmé à la fin du XIIIe siècle et dans les années suivantes, il s'est à nouveau couvert de jardins et de vignes comme autrefois. Même l'intérieur du cratère était rempli d'arbustes.
Le Vésuve est entré dans une nouvelle phase en décembre 1631, lorsqu'une éruption majeure a enseveli de nombreux villages sous des coulées de lave, tuant environ 3 000 personnes. Des torrents de lahar ont  ajouté à la dévastation. L'activité est ensuite devenue presque continue, avec des éruptions relativement graves se produisant en 1660, 1682, 1694, 1698, 1707, 1737, 1760, 1767, 1779, 1794, 1822, 1834, 1839, 1850, 1855, 1861, 1868, 1872, 1906 1926, 1929 et 1944. De nos jours, il est considéré comme l'un des volcans les plus dangereux au monde en raison de la population de 3 000 000 de personnes vivant à proximité et de sa tendance aux éruptions explosives (dites éruptions pliniennes). C'est la région volcanique la plus densément peuplée au monde.
La zone autour du Vésuve a été officiellement déclarée parc national le 5 juin 1995. Le sommet du Vésuve est ouvert aux visiteurs et il existe un petit réseau de sentiers autour de la montagne

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LE BAOU DE SAINT JEANNET PEINT PAR RAOUL DUFY

 

RAOUL DUFY (1877-1953)
Le Baou de Saint-Jeannet (802 m)

France (Provence Alpes Côte d'Azur) 

 

In The Baou de Saint-Jeannet (1923) huile sur toile, 64.5 x 80.6 cm. The Tate Gallery, London

 

La montagne
Le Baou de Saint-Jeannet (802m) est une montagne ce qui signifie d'ailleurs localement le nom baou. Il est situé dans les Préalpes de Grasse, sur le territoire de la commune de Saint-Jeannet, dans le département des Alpes-Maritimes. Le Baou a la particularité d'être visible depuis une très large portion de la zone côtière de la région niçoise, et de présenter des falaises calcaires abruptes et largement reconnaissables, ce qui en fait un point de repère visuel typique de la région. C'est un lieu réputé pour la randonnée et pour l'escalade rocheuse, où de grands noms de ce sport se sont succédé. Ce territoire occupé par l'homme dès le Paléolithique, accrochant le regard, a par la suite inspiré de nombreux peintres, dès le 17e siècle. Le Baou est un site d'escalade renommé, avec 470 voies réparties sur 17 secteurs. Les cotations des voies vont du 3a au 8a+. L'escalade sur le Baou a commencé à se populariser durant la Seconde Guerre mondiale. En effet, l'accès aux vallées du massif du Mercantour étant fermé, les alpinistes de la région niçoise s’entraînent sur le Baou. Il dispose de plusieurs secteurs équipés de voies de type « couenne », comme celui des Sources, de la Cagnes, ou encore les différents Ressaut. De plus, le baou est réputé pour toutes les grandes voies que l'on trouve sur la Grande Falaise. Ces grandes voies possèdent des équipements anciens, de type terrain d'aventure, donc à compléter par la cordée. On peut pratiquer de l'escalade sur de la fissure-dièdre, de la dalle, des colonnettes, et le Baou dispose de murs verticaux, tout comme de dévers, surplombs et même des toits. Au 21e siècle des voies d'ampleur continuent d'être ouvertes au baou, comme par exemple Petit toi mystérieux, ouverte en 2017 par Thomas Arfi, Stéphane Benoist et Benjamin Guigonnet. Une partie du secteur des Sources est sous surveillance depuis 2022 à la suite de l'effondrement d'un rocher d'une centaine de tonnes.

Le peintre
Raoul Ernest Joseph Dufy,  est un peintre, dessinateur, graveur, illustrateur de livres, céramiste, créateur de tissus, de tapisseries et de mobilier, décorateur d'intérieur, d'espaces publics et de théâtre français. L'œuvre de Dufy compte environ3 000 toiles, 6 000 grandes aquarelles, 6 000 dessins, des bois gravés, des lithographies, des tapisseries, des tissus…
1913 est l’année charnière et La grande baigneuse aux formes massives est un adieu au cubisme. À l’arrière-plan de son corps massif, traité comme une articulation de parties cylindriques, s'étage un paysage réduit aux volumes mais dont les nombreuses maisons constituent une préfiguration des vues de Vence.
Dans Le Jardin abandonné (1913), le style propre de Raoul Dufy est presque mis en place : couleurs vives déterminant des zones relativement arbitraires auxquelles se surajoutent les dessins des divers éléments.
Dufy se rend compte que, pour l’œil, les couleurs n’appartiennent pas indéfectiblement à une chose : ce ne sont pas des qualités qui n’auraient pas d’existence hors une substance. Elles ont leur vie propre, débordent les objets, et cela surtout dans l’expérience de la perception du mouvement. D’où l’usage de ce que Pierre Cabanne appelle « les flaques de couleurs juxtaposées ». La dissociation entre la couleur et le dessin est parfois très poussée, et Dufy installe souvent les objets réduits à un contour sur trois ou quatre larges plages colorées.
L’aquarelle, la gouache, qui prennent de plus en plus d’importance après 1930, lui offrent davantage de possibilités pour poursuivre cette expérience. Les « flaques » du fond sont étendues sur un papier préalablement mouillé et tendu sur une planche à dessin. Quand elles sont sèches, il dessine au pinceau fin les divers objets du motif. Le Bel Été (1940) en est un remarquable exemple. Cette technique demande une très grande assurance, acquise par l’incessante pratique du dessin.
La joie de vivre et de dévoiler la vie soutient chaque tableau, chaque gouache, chaque dessin. Dufy promène un regard émerveillé sur le monde et nous invite à une fête qui n’a rien de superficiel et de mondain. « Si je pouvais exprimer toute la joie qui est en moi ! » disait-il. Il y est largement parvenu, et peu d’œuvres sont une telle invitation à cheminer vers un horizon de bonheur.

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2024 - 13e année de publication -  Gravir les montagnes en peinture
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